Libérez la force rose fluo qui sommeille en vous !

L’amour fraternel et mystique, passionnel et pacifiste, utopiste et universel... L’amour comme salut de l’Humanité, roi tout puissant d’un monde apaisé, sans murs et sans haine, sans écrans virtuels déshumanisants... L’amour comme nouvelle religion dadaïste d’une galaxie rose fluo, régie par les rayons bienfaisants d’un Dieu en forme de boule à facettes de la taille d’une planète... WELCOME TO THE EMPIRE OF LOVE !

Dans cette nouvelle aventure, notre super-héros de l’amour, celui-là même qui s’était proclamé, avec l’album éponyme et dans une grande rasade d’auto-dérision, New King Of Klezmer Clarinet, se réinvente encore. Prolongeant la démarche du précédent With Love, qui repoussait déjà les frontières du genre, le clarinettiste french touch bascule du côté d’un jazz dancefloor aussi lyrique que psychédélique. Plus oriental que jamais, il redessine les contours rêvés d’un Empire ottoman futuriste à l’ère post-disco, dans un love-trip sensible hanté par une clarinette en transe électro.

On y retrouve cette pâte mélodique et harmonique clairement identifiable, marquée par les musiques d’Europe centrale et orientale. Le jeune musicien, qui a encore mûri sa maîtrise instrumentale, en célèbre ici toutes les riches traditions ornementales, modes de jeu typiquement klezmer, balkaniques ou turcs. Ce florilège amoureux et virtuose est mis en valeur par le son pur de sa clarinette, à peine altéré par de légers effets de réverb. Les mélodies jaillissent, envoûtantes. Elles sont soutenues, sur trois titres, par une section de cordes soyeuses, et, sur trois autres, par les mélismes hauts-perchés d’une soprano colorature (Julie Mathevet). Dans le même temps, et c’est toute la force du projet, Yom opte pour une production électro claire et franche, qui ne laisse aucun doute sur sa modernité. Plus qu’une simple couleur, elle est au coeur même de ses compositions et de leurs rythmiques étourdissantes, tapissées de beats digitaux et de puissantes basses Moog. Déjà soliste et compositeur, Yom se positionne donc aussi, désormais, comme un producteur, au sens anglais du terme puisqu’il a tout réalisé lui-même _ programmations de batterie, séquences de synthés... Ce n’est d’ailleurs pas un hasard s’il a choisi de masteriser "The Empire Of Love" dans le même studio londonien (The Exchange) que les disques de quelques groupes emblématiques de la French touch comme Daft Punk, Justice ou Phoenix. On peut donc parler de véritable tournant électro dans la discographie de Yom, qui avait déjà commencé à libérer sur scène ces influences technoïdes.

Ces dernières servent avec humour et puissance cette nouvelle utopie impériale, calquée, au fil des titres, sur les grands thèmes initiatiques de l’Odyssée. Yom élabore ainsi sa propre mythologie, jusqu’à l’irruption, inédite dans son univers musical, de voix humaines aux échos surnaturels : celle d’une sirène au timbre tellurique (la soprano colorature) ou celle, plus suave, d’une hôtesse de l’air spatiale, qui donnent une touche chaude et singulière à cette quête androïde. Mais aussi le cri d’urgence, désespéré et comminatoire, d’un robot androgyne qui scande, sur le très noir "The Crossing" :

“Knock down the walls Knock down the fences Open the gates Open the fucking doors of love !”

A la croisée de l’électro rock le plus violent et de la dance orientale la plus groovante, cette virée intersidérale exaltée nous fait ainsi traverser les territoires les plus sombres avant de passer le seuil rêvé de l’Empire Of Love. Le disque tournoie dans l’espace, comme les anneaux de Saturne, pour diffuser ses ondes exaltées le plus loin possible.

C’est une douce révolution. Si Mélissa Laveaux n’a rien escamoté de l’identité très forte dessinée par un premier album acclamé (Camphor And Copper, 2008), elle s’est aujourd’hui réinventée. À la douceur acoustique d’un folk langoureux et chaloupé, la jeune femme préfère à présent l’énergie plus sophistiquée d’une pop percutante et irrésistible. L’écriture est toujours aussi personnelle, la voix toujours aussi sensuelle et juvénile, mais les orchestrations explosent en un feu d’artifice inventif, qui fait la part belle aux rythmiques et à des sonorités plus synthétiques.

C’est la réinvention d’une vie. Née à Montréal en 1985 de parents haïtiens, Mélissa Laveaux grandit à Ottawa (Ontario). Dans la foulée de son premier album, elle s’installe en France, une étape délicate qui nourrit largement les textes de Dying Is A Wild Night. La jeune femme y envisage ces dernières années sous un angle intime, puisant dans des moments difficiles une énergie nouvelle. Emprunté à la poétesse américaine Emily Dickinson, le vers complet est “Dying Is A Wild Night And A New Road”. L’idée est belle et symbolique : rompre les amarres avec son pays était à la fois un déchirement et la promesse d’un nouveau départ.

C’était aussi un nœud de paradoxes : dans un même mouvement, Mélissa s’éloignait et se rapprochait de sa famille. Elle a mieux appréhendé le parcours de ses parents, émigrés haïtiens, tandis que l’éloignement géographique se doublait d’une incompréhension de leur part sur son choix. C’est le thème du single Postman : arrivée à Paris, il a fallu trouver des ressources ailleurs que dans une lettre que le facteur ne déposera jamais.

La beauté et l’énergie de Dying Is A Wild Night tiennent à une tension entre cette écriture très personnelle et un travail profondément collectif. L’enregistrement des maquettes, d’abord, s’est fait avec la batteuse de jazz Anne Paceo, indice déterminant sur des chansons à l’assise rythmique souvent étonnante (Mélissa voue une admiration sans borne au duo Wildbirds & Peacedrums, qui travaille sur les combinaisons percussions/voix). La suite est un travail de studio passionnant avec trois réalisateurs : Vincent Taeger, Vincent Taurelle (claviers de Air) et Ludovic Bruni, qui ont remodelé certains titres et apporté beaucoup à la texture sonore des chansons. Il y a là une modernité qui évoque volontiers la pop mutante de Santigold et Goldfrapp mais aussi les derniers développements de la carrière de Fiona Apple, exigeants et inventifs derrière leurs atours pop.

Mélissa Laveaux le confie sans difficulté : elle écoute beaucoup plus de musique qu’elle n’en écrit. Cela informe ses chansons de milles nuances et influences parfaitement assimilées. L’étonnante reprise du Hash Pipe de Weezer s’impose comme la touche rock d’un album à l’éclectisme élégant : soul chantée d’une voix de velours (Dew Breaker), pépites énergétiques et élancées (Pretty Girls, Sweet Wood) ou tubes pop parfaitement balancés entre sonorités organiques et synthétiques (les incroyables Triggers et Generous Bones). Comme un trait d’union avec le premier album de Mélissa, une merveille acoustique au déhanché délicat s’est glissée en fin d’album : chantée en créole, Pie Bwa est une variation autour du Strange Fruit de Billie Holiday, écrite du point de vue de l’arbre, ensanglanté. Une image puissante sur un album audacieux : orchestrations modernes, mélodies imparables et textes personnels traversés d’interrogations sur la foi, Dying Is A Wild Night est de la trempe des grands disques pop, qui touchent à la fois le cœur, la tête et le plexus.

Originaire de Soweto, ce groupe afro-psychédélique mélange rythmes ancestraux et expression moderne, teintés de rock ou de hip-hop, pour créer un son distinctif.
Leurs messages concernent la réalité quotidienne en Afrique du Sud, le travail précaire, la corruption. Leur musique est aussi forte, confiante et intense que l’intention qui la motive !

Prenez un trio composé des meilleurs griots de la musique traditionnelle du Mali et du quatuor à cordes le plus révolutionnaire de la musique occidentale, vous obtenez une collaboration musicale aussi enrichissante qu’originale. Trio Da Kali et Kronos Quartet ont créé ensemble un album riche en texture, à la mélodie envoûtante et remarquablement créative. La rencontre des violons, de l’alto et du violoncelle avec le balafon, le ngoni et la voix puissante de Hawa ‘Kassé Mady’ Diabaté forme un style quasi transcendantal. David Harrington, fondateur du Kronos Quartet en 1973, décrit cet album comme « l’un des plus beaux que Kronos a enregistré en 40 ans ».

Les trois membres du Trio Da Kali possèdent un héritage musical familial très respecté. Ils ont été réunis en tant que « super-groupe » de griots par la journaliste et musicologue Lucy Duran. Le directeur musical et virtuose du balafon Lassana Diabaté a longtemps joué dans le Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté et a enregistré entre autres avec Salif Keita et Taj Mahal. C’est un musicien inventif, doué d’une grande finesse qui maîtrise parfaitement le jeu de deux balafons. Le joueur de ngoni bass, Mamadou Kouyaté, est le fils aîné de Bassekou Kouyaté, considéré comme le plus grand joueur de cet instrument. Mamadou a hérité du talent de son père et joue dans son groupe Ngoni Ba. Il est également très présent sur la scène florissante du hip-hop de Bamako. La chanteuse Hawa ‘Kassé Mady’ Diabaté est la fille du plus grand chanteur traditionnel malien, Kassé Mady Diabaté. Son phrasé, son registre et la puissance de sa voix ont poussés le directeur artistique du Kronos Quartet, David Harrington, à la comparer à la défunte reine du gospel américain : Mahalia Jackson.

Le Kronos Quartet est composé de David Harrington et John Sherba aux violons, Hank Dutt à l’alto, et la violoncelliste Sunny Yang. Le groupe a la réputation d’être le quartet à cordes le plus audacieux du monde et est connu pour sa détermination à toujours se réinventer. Kronos Quartet a sorti plus de 50 disques, chacun d’une extraordinaire ampleur et créativité. Ils ont, par ailleurs, collaboré avec certains des meilleurs compositeurs et artistes de la scène internationale. Leur sens de l’exploration artistique sans limite, mêlé de talent et d’expertise a emmené le répertoire du Trio Da Kali dans un voyage fascinant, offrant au passage une voix nouvelle à des sons intemporels.